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学服装设计服装设计

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  服装设计师(Apparel Designer)直接设计的是产品,学服装设计间接设计的是人品和。随着科学文明的进步,人类的艺术设计手段也在不断发展。信息时代,人类的文化方式与以前相比有了很大变化,严格的行业之间的界限正在淡化。服装设计师的想象力迅速冲破意识形态的,以千姿百态的形式出来。新奇的、诡谲的、抽象的视觉形象,极端的色彩出现在令人诧异的对比中,于是不得不开始调整我们的眼睛以适应新的风景。服装艺术显示出来的形式越来越多,有时还比较玄奥。怎样看待服装艺术、领略并感受服装本身的语言,成为今天网络时代“注意力”经济中的“眼球之战”。服装设计既要有很强的审美观,和价值观,既然设计出来的衣服是要在生活中穿的,既要美观时尚,又要低调优雅,使服装永远不会落后,所以一个设计师在设计服装的过程中要忘掉自己是自己,而是在设计你所想表达的思想。

  服装设计属于工艺美术范畴,是实用性和艺术性相结合的一种艺术形式。设计(Design)意指计划构思、设立方案,也含有意象、作图、造型之意,而服装设计的定义就是解决人们穿着生系中诸问题的富有创造性的计划及创作行为。它是一门涉及领域极广的边缘学科,和文学、艺术历史哲学教美学心理学生理学以及人体工学等科学和自然科学密切相关。作为一门综合性的艺术,服装设计具有一般实用艺术的共性,但在内容与形式以及表达手段上又具有自身的特性。

  (Unity)也称为“一致”,与调和的意义相似。设计服装时,往往以调和为手段,达到的目的。良好的设计中,服装上的部分与部分间,及部分与整体间各要素-质料、色彩、线条等的安排,应有一致性。如果这些要素的变化太多,则了一致的效果。形成最常用的方法就是重复,如重复使用相同的色彩、线条等,就可以造成的特色。

  加重(Emphasis)亦即“强调”或“重点设计”。虽然设计中注重的原则,但是过分的结果,往往使设计趋于平淡,最好能使某一部分特别醒目,以造成设计上的趣味中心。这种重点的设计,可以利用色彩的对照(如黑色洋装系上红色腰带)、质料的搭配(如毛呢大衣配以毛皮领子)、线条的安排(如洋装上自领口至底边的开口)、剪裁的特色(如肩轭布及公主线的设计),及饰物的使用(如黑色丝绒旗袍上配戴金色项链)等达成。但是上述强调的方法,不宜数法同时并用,强调的部位也不能过多,并应选择穿者身体上美好的部分,做为强调的中心。

  平衡(Balance)使设计具有稳定、静止的感觉时,即是符合平衡的原则。平衡可分对称的平衡,及非对称的平衡两种。前者是以人体中心为想象线,左右两部分完全相同。这种款式的服装,有端正、庄严的感觉,但是较为呆板。后者是感觉上的平衡,也就是衣服左右部分设计虽不一样,但有平稳的感觉,常以斜线设计(如旗袍之前襟)达成目的。此种设计予人的感觉是优雅、柔顺。此外,亦须注意服装上身与下身的平衡,勿使有过分的上重下轻,或下重上轻的感觉。

  比例(Proportion)是指服装各部分间大小的分配,看来合宜适当,例如口袋与衣身大小的关系、衣领的宽窄等都应适当。黄金分割的比例,多适用于衣服上的设计。此外,对于饰物、附件等的大小比例,亦须重视。

  韵律(Rhythm)指规律的反复,而产生柔和的动感。如色彩由深而浅,形状由大而小等渐层的韵律,线条、色彩等具规则性重复的反复的韵律,以及衣物上的飘带等飘垂的韵律,都是设计上常用的手法。

  服装设计是一个总称,根据不同的工作内容及工作性质可以分为服装造型设计,结构设计,工艺设计,设计的原意是指“针对一个特定的目标,在计划的过程中求得一种问题的解决和策略,进而满足人们的某种需求”。设计所涉及的范围十分广泛,包括规划、理论模型、产品设计和工程组织方案的制定等等。当然,设计的目标体现了人类文化演进的机制,是创造审美的重要手段。服装设计顾名思义是设计服装款式的一种行业,服装设计过程“即根据设计对象的要求进行构思,并绘制出效果图、平面图,再根据图纸进行制作,达到完成设计的全过程”。

  设计同时具有事实要素和“价值要素”。前者说明事态的状况,后者则用理论和审美的命题来进行表述,即是“好坏和美丑”。

  不同类型的设计侧重的思维类型往往有所差异。例如,在工程设计中更重视,而在产品造型设计和工业设计则重视整体的过程,需要运用形象思维的因素,在服装设计方面则更注重“美感”等等。

  设计的任务不仅仅的满足个人需求,它同时需要兼顾的、经济的、技术的、情感的、审美的需要。由于这些众多的需要中本身存在一定的矛盾,所以设计任务本身就包括各种需要之间的协调和对立关系。现代的设计在更新中,同样要遵循设计的规范,要考虑这众多的“需要”。

  设计是物质生产和文化创造的首要环节。它总是以一定的文化形态为中介。例如,运用大致相同的建制材料进行建筑工程的设计,不同的文化会诞生不同的建筑形式;运用相似的服装设计构思,不同的规范也会产生完全不同的设计风格。

  :培养能在企事业部门、学校、科研单位从事服装、服饰设计工作以及教学与研究工作的德才兼备的高级专门人才。

  :学生应掌握主义的基本原理;熟悉与中国服装纺织工业发展有关的方针、政策和法规;具有系

  统的服装和服饰设计的理论知识;了解服装眼用性能的测试方法,善于借鉴中国传统服饰文化、掌握和利用现代国内外服装信息;有较高的设计水平和较强的工艺制作能力以及初步的科研能力,了解本学科的新成就、新发展;有较高的文化,并具备一定的企业管理能力;在掌握外语工具方面,应具有较强的阅读本专业书刊的能力,一定的听的能力,初步的写和说的能力。

  :中外服装史、中国民族服装史、服装造型工艺学、服装服饰设计基础、时装画技法、发型与化妆、人体工程学服装材料工艺学、服装概论、服装蜡染扎染、服装工艺学、服装功能与检测、服装工艺与设备、服饰美学、摄影、服装CAD、服装工艺学(实践)、服装造型学计算机应用、服装眼用性能测试、服装设计、服饰设计等。

  服装设计软件主要有photoshop (PS) illustrator (AI) coreldraw (CDR) FreeHand (FH) CAD 服装最常用的是CorelDRAW,但也越来越多人用AI ,FH了,真正服装设计用CAD的很少,PS用来处理效果图是很好的。

  CorelDRAW 一般都是制作服装款式平面图和服装工艺制单的时候使用的比较多。

  随着时代的步伐,以前的人都是用手绘的方式来设计服装,不一样了,电脑可以说普及到了每一个家庭,所以装设计软件只是代替服装设计的其中一种。

  服装设计是一个艺术创作的过程,是艺术构思与艺术表达的体。设计师一般先有一个构思和设想,然后收集资料,确定设计方案。其方案主要内容包括:服装整体风格、主题、造型、色彩、面料、服饰品的配套设计等。同时对内结构设计、尺寸确定以及具体的裁剪缝制和加工工艺等等也要进行周密严谨的考虑,以确保最终完成的作品能够充分体现最初的设计意图。

  服装设计的构思是一种十分活跃的思维活动,构思通常要经过一段时间的思想酝酿而逐渐形成,也可能由某一方面的触发激起灵感而突然产生。自然界的花草虫鱼、高山流水、历史古迹、文艺领域的绘画雕

  塑,舞蹈音乐以及民族风情等生活中的一切都可给设计者以无穷的灵感来源。新的材质不断涌现,不断丰富着设计师的表现风格。为服装设计构思提供了无限宽广的素材,设计师可以从各个方面挖掘题材。在构思过程中设计者可通过勾勒服装草图借以表达思维过程,通过修改补充,在考虑较成熟后,再绘制出详细的服装设计图。

  绘装效果图是表达设计构思的重要手段,因此服装设计者需要有良好的美术基础,通过各种绘画手法来体现人体的着装效果。服装效果图被看作是衡量服装设计师创作能力、设计水平和艺术的重要标志,越来越多地引起设计者的普遍关注和重视。

  服装设计中的绘画形成有两种:一类是服装画,属于商业性绘画,用于宣传,强调绘画技巧,突出整体的艺术气氛与视觉效果。另一类是服装效果图用于表达服装艺术构思和工艺构思的效果与要求。服装效果图强调设计的新意,注重服装的着装具体形态以及细节描写,便于在制作中准确把握,以成衣在艺术和工艺上都能完美地体现设计意图。

  服装设计师首先要热爱艺术、把握流行,再次要有深厚的艺术造诣,扎实地绘画功底。又要有一种理想——创造自己独有的艺术世界,希望美梦成真,敢为人先的时尚,是时尚的探险者、弄潮儿,对服装情有独钟,对普通的面、辅料有一种独特的欣赏。

  搞服装设计要经常借鉴前人的成功之作,要从优秀的作品汲取营养和设计灵感,但绝不等于和照搬。裁剪、制作技术是服装设计的重要基础,是表达设计意图的重要手段,但并不等于学会裁剪和制作衣服就是学会设计了,正像学会演奏钢琴的技巧并不等于会作曲,学会砌墙并不等于会建筑设计一样。会画时装画只是掌握了一种表达设计意图的工具而已。从上述服装设计的过程中可以看出,在整个设计过程中,画设计图仅仅是设计的开始。不懂得如何实现自己的设计意图,只会“纸上谈兵”者,是无法在激烈的市场竞争中的,事实上,只会画时装画的“设计师”是找不到工作的。

  原始借鉴又称模仿,如:虔诚地模仿(他人)、竞争地模仿(超人一等)、忧虑地模仿(与别人相同而不落伍,过时)、三位一体地模仿:直接模仿(小孩模仿大人,猴子学吸烟)、间接模仿(积累、总结、比较、记忆等)、创造性模仿(取优创新、批叛的继承)。其实服装设计就是敢为人先的创造与发明、大胆设计、大胆,大胆实用新工艺,新材料、新科技的全过程。

  服装设计的构思阶段,在某种程度上,实际上是在头脑中进行样式的选择。设计是一种创造,但不是发明,前无古人后无来者的设计是不存在的。因此,设计就必须要借鉴前人。

  服装设计更是如此,因为服装的变迁过程是连续的,不间断的,每一种服装都处于人类服装文化史的变迁途中,都是承前启后的。要借鉴前人,就必须虚心地学习和研究前人的成就和经验。就服装设计来讲,首先必须学习的是服装史,因为要想在设计中准确地把握现在的流行,就必须了解服装过去的变迁过程,掌握变迁规律。要想在设计中超越前人,就必须先学习前人的历史经验和传统技巧。不仅要学习中国服装史,而且还要学习的服装史,还要研究世界各地现存的民族服装。

  另外,借鉴还要注意广度,除了的服装文化外,领域也要尽量去涉猎和学习。因为服装是一种综合性的文化现象,涉及到科学和自然科学的各个领域。设计师的工作内容又是复合型的,既要能把握当时当地的历史潮流和市场变化,又要对自己和竞争对手的实力了如指掌,还要有能力和实力组织生产,实现自己的设计意图,为企业带来利润。因此,设计师要有广博的和丰富的经历,要热爱生活,对一切事物都很感兴趣,要有强烈的好奇心。这样在设计构思时,才能广开思,广泛借鉴。只有“站在巨人的肩膀上”,才能设计出高于前人的作品。这就是借鉴的重要性。

  预测→收集信息→策划→计划→设计与制作→销售→信息反馈→总结。(往返进行)设计是一种造物的过程,有了好的构思后,接着就是如何来完成和实现这个构思,把设计构思画在纸上,不能说是设计的完成,那仅仅是设计的开始服装设计效果图是设计构思的视觉性表达手段之一,而这个设计构思能否实现,还有待于运用具体的衣料,通过一定技巧的裁剪、制作工艺来探索其实现的可能性。因此,作为设计师,如果衣料的性能、裁剪方法和制作技术等实际操作技能一无所知的话,其构思肯定是不着边际的,经常看到许多设计效果图画得挺美,但实际上不可能做出来的,或者即使勉强做出来也无法穿用(或因没有考虑开口而穿不进去,或穿上根本动不了,迈不开步,抬不起胳膊,弯不下腰)。

  可见,掌握裁、制作的基本技能对于设计师不仅十分重要,而且必不可少。事实上,许多设计的技巧,设计的感觉,不在纸面上,而在实际制板、裁剪和缝制的过程中。服装上所谓的“线条”和“造型”,也绝不是纸面上的线和形,而是立体上的三维空间中的线和形,这种感觉只有在三维空间的实际训练中才能提高。无论是巴黎的高级时装设计师,还是一般成衣企业的设计师,除了用绘画的形式表达自己的设计意图外,主要是在立体的衣服造型上来把握设计的。因此,无论是巴黎的高级时装店协会附属服装学校,还是纽约的FIT(纽约时装工科学院)以及日本的文化服装学院,在培养设计人才时,制板、裁剪和制作技术都是们必修的一门主要课程。

  服装设计即是一种产品设计,也是一种艺术创作。因此,广泛的艺术对于服装设计师就显得至关重要。曾被誉为“时装之王”的法国高级时装设计克里斯羌·迪奥尔就是具备了建筑、绘画、音乐等多方面知识的一位时装界的巨匠,他的伊夫·圣·洛朗也是一位艺术才华横溢的天才,从圣·洛朗的作品中,可以看到他设计灵感来源之广,可以感受到当代艺术们的影响:热情奔放的西班牙风格,华美多姿的情调,单纯豪放的非洲风格,端庄鲜明的中国风格,还有那古典味浓郁的委拉斯凯兹式的婚礼服、色彩明朗的毕加索风格,简洁明快的蒙德里安冷抽象艺术和波普艺术等,都在其作品中有着独特的运用和发挥。艺术家。深厚的艺术造诣决定了设计师们无穷的创造力。

  作为一种产品设计,服装设计效果的优劣不是靠某位专家来评说的,而是由市场来检验的。因此,设计师如果对自己所服务的目标市场一无所知,那将非常,因为其设计投产后很可能不被市场认可而造成积压,给企业带来巨大的经济损失,甚至使之倒闭。设计师应保持自己的个性和独特的设计风格,但这并不等于市场的需求。设计师与画家不同,不能孤芳自赏,一定要时刻注意把握市场的新动向,在保持自己的设计风格的基础上,一定要站在消费者的立场上,每个细部都经营到位,这样才能在激烈的市场竞争中立于不败之地。

  作为一名服装设计师,除了具备上述的知识和技能之外,还有一个非常重要的因素,即设计师的人

  格。俗一点讲,即:“要做,先做。”文一点讲,应是“德才兼备”。这里的“德品不正,不讲信誉,自利,遇事先斤斤计较个人的得失,毫无奉献,那么,在工作中也就很难卖力气去敬业,很难替别人着想,也就无法与人合作。现代企业在组织结构上是一个军事化的分工合作的集团,不是任何个人能完成所有部门和工种的工作的。因此,设计师必须摆正自己的,切不可高高在上,盛气凌人目空一切。能否与别人合作,特别是能否与比自己能力强的人合作,往往是一个设计师能否成功的关键。俗话讲:“一个好汉三个帮”,在风格的魅力,在其周围聚拢着一大群心甘情愿地与同甘共苦的能人。的稳定,经济的腾飞,服装业的发展为我们的设计师施展才华提供了“天时、地利”的大好和历史机遇,而能否成功,在某种程度上讲,关键在于“人和”这个因素的把握。“人和”的现代意义即在工作中能处理与人之间的关系,能很好地与人合作,能承认他人的长处,能容人,会用人。

  另外,在市场上与同行竞争时,也要正正,千万不要靠拆别人的台来抬高自己。“文人相径,”同行是冤家”这种过去小农经济时代的不是我们这个时代所需要的。三、设计师的行为方式:会工作、会学习、会生活。

  ⑵与和企业合作,把它当做你的客户,让他光顾你的才华,向他推荐你的概念。

  ⑶有敬业与团队,任何一个项目,都是通过团队共同的力量与完成实现地,用普通的方法使工艺方面达到最佳的效果。

  ⑷设计师艺术的创造者,又是服装人。自己高于他人,高于企业,所以为了事业,为了自己所干的这份工作,尽到自己的责任。对本行业要有一种的追求,创新探索的,虽然工作很辛苦,但又苦中求乐,倍感幸福。

  ⑹应时刻站在投资者的角度运作市场,只能成功,不能失败,给企业至少要有一个安全感,减少冒险数。

  ⑺懂得推销自己,是一位很好的推销员,有计划有市场数据支持你的设计。要善于表达。多沟通思想。

  ⑼懂服装市场以及品牌运作状况,懂得欣赏品牌的优势。向客户学习,因为他们代表一定的消费群体,相信他们的直觉,根据他们的意见,正确地、总结与判断。

  ⑽对市场要有了解,观察、、主导与的能力,(懂得看爆款,发现哪些好买,发现哪些还有的空间),深入市场,不能闭门选车,坐享其成,更不能意想天开。有独当一面的能力。

  ⑾学会制作故事版(sfory body):为设计部内部团队沟通版,为市场配合版,设计师系列版:个人品牌,品牌系列版:市场品牌

  ⑿设计方案短频快,赢利高,艺术与实用相结合。(即学院派与市场派相结合)。

  ⒀掌握服装设计的六个基本条件:即who 什么人穿?when 什么时候穿?Where 什么场合穿?What 穿什么?Why 为什么这么穿?HOW 怎么样穿?

  ⒁痛痛快快地工作,痛痛快快地玩,愉愉快快地学习与生活。前卫、、自信、乐观、青春。总之,作为一名合格的服装设计师,优秀的品德是首要条件。

  绘画基础与造型能力是服装设计师的基本技能之一。当然,以前的设计也有个别不会画画的,但他需要

  在方面有更杰出的表现。但有些人即使通过在学校系统地学习和培训,仍然不能很好地用绘画方式表达设计的话,那将为自己的创作带来很大的困难。

  只有具备了良好的绘画基础才能通过设计的造型表现能力以绘画的形式准确地表达设计师的创作,另一方面在设计图的过程当中也更能体会到服装造型重的节奏和韵律之美,从而激发设计师的灵感。

  20世纪初包豪斯曾经提出“设计的目的是人而不是产品”,特别是服装,本身就是人体的外部覆盖物,与人体有着密切的关系,作为设计师只有对人体比例结构有准确、全面的认识,才能更好地、立体地表达人体之美,这是设计的基础。

  独创性和想象力是服装设计师的翅膀,没有丰富想象力的设计师技能再好也只能称为工匠或裁缝,而不能称之正的设计师。设计的本质是创造,设计本身就包含了创新、独特之意。自然界中的花鸟树木、我们身边的装饰器物/丰富的民族和民俗题材,音乐、舞蹈、诗、文学甚至现代的生活方式都可以给我们很好的启迪和设计灵感。千百年来,服装的历史长河是由于前人丰富的想象力和独创的才给我们留下了丰厚的宝贵财富。

  在服装设计史上,那些备受瞩目的署名服装设计师们均以其独特的创造力和想象力再设计上出其巧思。特别是20世纪30年代颇具影响力的意大利女设计师——夏波瑞莉竟将鞋子设计成帽子扣在头顶,将口袋设计成抽屉状,其丰富的想象力及形象幽默、大胆别致的设计风格备受后人推崇。

  服装的款式是服装的外部轮廓造型和部件细节造型,是设计变化的基础。外部轮廓造型由服装的长度和纬度构成,包括腰线、衣裙长度、肩部宽窄、下摆松度等要素。最常见的轮廓造型有“A型、“X型、T型、H型、O型等。服装的外部轮廓造型形成了服装的线条,并直接决定了款式的流行与否。部件细节的造型是指领型、袖型、口袋、裁剪结构甚至衣褶、拉练、扣子的设计。

  服装的色彩变化是设计中最醒目的部分。服装的色彩最容易表达设计情怀,同时易于被消费者接受。学服装设计火热的红、爽朗的黄、沉静的蓝、圣洁的白、平实的灰、坚硬的黑,服装的每一种色彩都有着丰富的情感表征,给人以丰富的内涵联想。除此之外,色彩还有轻重、强弱、冷暖和软硬之感等,当然,色彩还可以让我们在味觉和嗅觉上浮想联翩。

  熟练掌握和运用服装面料特质是以未成熟的设计师所应具备的重要条件,设计师首先要体会面料的厚薄、软硬、光滑粗涩、立体平滑之间的差异,通过面料不同的悬垂感、光泽感、清透感、厚重感和不同的弹力、垂感等,来悉心体会其间风格和品牌的迥异,并在设计中加以灵活运用.

  不同质地、肌理的面料完美搭配,更能设计师的艺术功底和品位。服装款式上的各种造型并不仅仅表现在设计图纸上,而是用各种不同的面料和裁剪技术共同达成的,熟练地掌握和运用面料设计才会得心应手。

  服装的款式、色彩和面料这三部分缺一不可,是设计师必须掌握的基础知识。对款式、色彩、面料基础知识的掌握和运用也一定程度能反映出一个设计师的审美情趣、品位和艺术功底。

  对结构设计、裁剪技术的学习,也是服装设计师必须掌握的基础知识。结构设计是款式设计的一部分,服装的各种造型其实就是通过裁剪和尺寸本身的变化来完成的。如果不懂面料、结构和裁剪,设计只能是“纸上谈兵”。不要以为在里结构设计、裁剪是打版的事情,只会画图、不懂打版的设计师肯定不是一个完美、成熟的设计师。不懂纸样和结构变化,设计就会不合理、不成熟,甚至无法实现。

  学校里的学生经常会遇到这样的问题,由于自己还不会打版,参加大赛的服装只能请打版,但自己画的是一种效果,做出来完全走了型,没有达到想要的效果。由此可见,打板本身直接决定了服装的造型和整体效果。20世纪里有许多都是直接从服装的裁剪和结构入手,并把这些作为十分重要的设计语言,如巴伦夏卡、朗曼、威奥内特、三本耀司等。仔细研究们的作品我们可以看到,服装的结构设计深富内涵、表现力独特,其深沉、含蓄而不张扬的风格非常值得细细品味。如果不精通裁剪和结构设计,我们对作品的欣赏只会停留于肤浅的表面,设计也只能是一个空架子、经不起推敲和。

  缝制也是服装设计的关键,不懂的各种缝制技巧和方法,也会影响我们对结构设计和裁剪的学习。缝制的方式和效果本身也是设计的一部分,不同的缝制方式能产生不同的外观效果,甚至是特别的肌理效果。有的设计师借助“缝纫效果”作为设计语言来尝试新的效果,这种手法在诚意设计中非常普及。这就要求设计师要熟知服装行业中的各种加工设备及服装缝制专用机件,对针织、梭织的加工工艺了如指掌,才能在设计运用中得心应手。

  服装设计的初级阶段是对一些基础技法和技能的掌握,而成功的服装设计师更重要的是应具备设计的头脑和敏锐的创作思维,只掌握基础技能、能画漂亮的效果图是远远不够的。艺术院校服装设计专业都开设有服饰理论课程,学生通过这些课程可以了解中外艺术史、设计史、服装史和服饰美学等理论知识,同时还能开阔学生的眼界、拓宽设计思,他们的设计灵感。

  特别是学习中外服装发展史,其源远流长的服饰演变能为我们提供诸多的设计灵感,古埃及风格、古希腊风格、哥特风格、巴洛克、洛可可风格这些在现代服装的作品中随处可见。只有了解服装发展的历史,理解现代服饰的演变,才能在设计史立足于现代并预测未来。了解服装发展史的变化,也会使你更深地体会服饰的差异,使自己明白身为东方的服装设计师应该如何面对服饰、如何在设计中体现民族风格、如何界服饰舞台中赢得一席之地。

  了解和掌握2世纪服装发展史及的风格是成为服装设计师的一条快捷之。从20世纪初期的CHANEL到初的加里亚诺,每一位设计都为我们在服装史上留下了恒美的一笔:20、30年代优雅浪漫的低腰露背装;50年代典雅富贵的高级时装;60、70年代叛逆怪异的嬉皮士/朋克服饰;80年代宽肩、松身男性化职业女装;90年代型甘迷人的蕾丝、服饰……只有深入学习20世纪服装的发展历史,才能理解那个时代们的设计风格和艺术表现,从而借鉴到自己的服装设计当中。

  20世纪80至90年代,的设计卡尔·拉格费尔任CHANEL的首席设计师,为了扭转CHANEL当时的困境、为其注入新的活力,卡尔·拉格费尔首先从熟悉夏耐尔品牌的设计风格开始着手,以致于对CHANEL几十年历史中的每一个款式,他都可以一边默写一款一边。在充分了解CHANEL风格和设计历史之后,卡尔·拉格费尔一改CHANEL套装的沉闷和单调,推出了90年代粉彩、的CHANEL套装,使CHANEL服饰重振旗鼓,再次赢得年轻女性的喜爱,从而恢复了CHANEL品牌往日的活力。

  可见,每一位设计师都要付出相当的努力,方能使设计的作品获得认可和成功。

  一名成功的设计师首先应在市场上取得成功,要根据企业的品牌定位规范自己的设计风格和线。卡尔·拉格费尔曾同时兼任夏耐尔、芬蒂、克罗耶等三家国际著名品牌的首席设计师,在为每个品牌策划设计时,都以该品牌的定位为准则,张扬了3种不同品牌风格,被誉为“天才设计师”。

  服装设计师最终要在市场中体现其价值。只有真正了解市场、了解消费者的购买心理,掌握真正的市场流行(而不是时装上颁布的趋势)。并将设计与工艺构成完美的结合,配合适当的行销途径,将服装通过销售为商品被消费者接受,真正体现其价值,才算成功完成了服装设计的全部过程。

  刚刚跨出学校大门的青年设计师和成熟的服装设计师之间的差异就在于前者对市场缺乏足够的认识和经验不足。作为新手的你,在临近毕业或毕业之后要在最短的时间里熟悉各项工作,包括品牌的风格、市场定位、竞争品牌的概况、每季不同定位的服装设计风格的转变、不同城市流行的差异、所针对消费群对时尚和流行的接受能力等,还要清楚应该何时推出新产品、如何推出、以何种价格推出等问题,经过这些实践和经历,你才能成为服装设计一名“熟手”。

  作为培养服装专业人才的服装院校应该更新观念、解放思想、开门办学。设计师可以与企业界和,教学更要与企业结合,与市场和品牌结合,从而锻炼学生的实际操作能力。为了达到这个目的,学服装设计本人将所执教的深圳大学艺术学院服装专业第四年的设计课程做了很大的调整,课上的内容完全是服装设计师的工作要求,从品牌调研、定位、设计计划书到款式推出、价格定位、营销方案的提出等等方面,使同学们提前熟悉服装的每个工作细节,将学生毕业后参加工作时所面临的“磨合期”提前在学校来完成,这样做能使学生在毕业时积累更多的实践经验,为大多数企业欢迎。

  同时,设计师作为一种时尚的职业为大多数人所向往,设计师与企业的签约、各种发布会和博览会的讯息更是倍受关注。但是在这种繁荣的背后,也导致一些青年设计师有一些,认为这是服装设计师成功的唯一途径,认为设计师的工作就是做时装秀,站在T型台上手捧鲜花接受祝贺。其实,设计师的工作更多时候要紧盯市场变化、不断研究和预测市场流行,准确地把握品牌的定位和风格,因为,他们关系到整个服装的前途与发展,甚至是命运。

  随着电脑技术在设计领域的不断渗透,无论在设计思维和创作的过程中,电脑已经成为服装设计师手中最有效、最快捷的设计工具,特别是在一些较正规的服装企业中对服装设计CAD、服装设计CAM等设计、打版、推版软件的运用十分普及,绣花纹样、印花纹样等也是靠计算机来完成。

  服装设计师要能熟练地运用PHOTOSHOP、COREDRAW和PAINTER等绘图软件,他们可以方便地编辑、修改和绘制你的图形,拓宽你的设计表现方式、加快设计速度。特别是PAINTER,其庞大的绘图工具箱、种类繁多的画笔、极具感染力的着色效果和滤色效果可以使你的计算机设计作品魅力非凡、效果更加逼真。看看这张图你能看出是电脑绘制的吗?计算机作为一种先进、现代的绘图工具,有其丰富的表现力和非凡的潜力,掌握和运用计算机的绘图软件在服装设计和面料、图案设计中,不仅是日常设计工作中的需要,你还可以体会到做一名“现代设计师”的滋味和乐趣。

  作为一名服装设计师,对服装具有敏锐的观察力常重要的。由于在服装设计教育中,过多地强调基础技能和技法训练,学生往往市场意识淡薄,缺乏明晰的思、敏锐的观察力以及整体的思维能力,毕业后经常不能很快适应设计师的工作。怎样去主持一个品牌设计,要靠设计师较强的综合能力和对服装敏锐的观察力,这不仅需要技术上的创意,还需要用的思维,去市场,找准定位,有计划地操作、有目的地推广品牌。所以,如何做出你的品牌风格,使目标消费者穿得时尚;如何吸引你的顾客,扩大市场占有率,提高品牌的品味,增加设计含量,获得更大附加值,创造品牌效应,是服装设计师应具备的基本素质与技能。

  从事服装设计行业还需要有敬业,不仅仅把它当成一个谋生的饭碗,更应看作一种事业来追求和热爱它。“热爱”这个词其实一点都不过分,只有你心地投入,努力地去付出,才能最终获得丰厚的回报。其实做任何事情都一样。夏奈尔在20世纪初期从设计女性的帽子开始她的漫漫时装设计之,在其后50多年的时间里,她始终以一个服装者的身份活跃在时装舞台上,直到70年代生命的最后一刻,都在为她的设计而忙碌……

  只有时刻保持着那种对服装敏锐的观察力和热爱服装的敬业,你才会一步步朝着设计的方向迈进

  职业教育是对人才的培养,走的是实用型线,以培养技术应用型人才为目标。服装企业需要什么样的人才,我们就应培养供应什么样的人才。当今企业对服装设计工作人员不仅仅是只会在纸上画一张漂亮的效果图,或者空有一个美妙的构思创意而不能使其变成现实服务于服装市场。当今世界经济的信息化、市场化、集成化、网络化的发展,使企业、产品、人才和市场出现了更为激烈的竞争和快速的变化。

  服装专业是产业课程,强调知识的应用性,实践性。在多年的教学中越来越感受到本专业的设计课教学模式已不能适应当今的需求,教学活动没有,闭门造车,纸上谈兵,学生的设计是准型的,思维无法拓展,市场应变能力差,不少学生毕业后都感受到自身所学知识在工作实践中的应用要经过相当长的一段时间的磨合。为此,我认为从以下几个方面来思考,缩短或提前结束学生的这一磨合期,使学生毕业后工作岗位能很快地适应和理顺设计与生产和市场。

  素描、色彩、三大构成(平面构成立体构成、色彩构成)作为设计类基础课程。服装设计作为设计艺术范畴,自然离不开绘画基础,绘画基础的训练不仅是为了画好服装画和设计图,还关系到对学生审美情趣和形式的培养。国内服装院校的绘画基础教学,以往沿袭的多是美术院校传统的绘画基础教学模式,由几何形体、静物到石膏像、头像,再到人体、半身像、像,由浅入深逐步进行的训练。

  但服装设计的绘画并不需要如此缜密、严谨的基本功训练。一是时间不允许,因为服装绘画只是服装系统工程中的一小部分,大部分应该是对服装的造型及结构变化、裁制工艺等方面的研究。二是服装绘画表现的是人与服装的关系,人是第一位。必要的人体结构知识,对物体结构、空间、质感等非光影效果的表现,以及大量的人体、着衣人物动势的速写等短期作业,则是绘画基础训练的主体内容。

  设计基础、效果图、服装材料学、时装画技法、服饰配件设计、时装设计、成衣设计课程等目的是培养学生掌握设计的和形式规律,以及形式美、材料美、技术美的辨证关系。培养学生具有创造性思维的现代服装设计意识和较高的综合设计技能,建立完整的服装设计体系概念。一般中小企业生产流程是设计稿——设计总监定稿——打样版——车样版——试衣——设计师修正——修版至符合设计——样衣编——根据市场确定生产数量——采购面料大货——下单——销售——售后反馈,基本的这样一个流程进行着由一个成成品的过程。

  或许这些我们居多的设计教师都知道这些,但是在实际的教学中往往重点强调时装画的技法,怎么样画出漂亮的时装效果图的,忽略了设计的实用性和可生产性。作品多数是注重体现创新的与艺术形式,具有先导性文化特征,与作为商品的服装尚有很大距离,故服装本身的内在品质性因素往往不被学生所重视,以致时常出现学生参赛获,但却搞不好日常生活中的时尚服装,到企业也胜任不了设计工作,究其原因就是学生对服装设计的理解认识不够,对服装本身实质性的技术技能掌握不到位,因此这就要求教师对学生在专业认识上要给予正确引导。

  一方面,提倡学生要有较强的创新和艺术,积极参与专业大赛,注重培养学生对形式美及前卫时尚的敏锐感受力,使其具有超前的设计意识、设计。另一方面,要强调学生对服装本质的认识,立足于学习服装结构、工艺技术方面所表现出的美,做到用良好的美感形式体现服装的功能价值;以得体的穿着效果展示高品位的内涵,树立起正确的设计意识及。

  由此看来,在专业课程设置方面还要进一步地改进和完善。与实际结合、与市场结合、与企业结合、与具体课题结合,是服装设计专业与企业结合的目的所在。与具体课题结合以后,市场的瞬息万变会教师不断更新、调整自身的教学方法和教学内容,可以防止空对空地设计。

  10.执著于优雅品位的设计师:于贝尔·德·纪梵希 HubertdeGivenchy

  11.在市场与优雅间创造完美平衡:乔治·阿玛尼Giorgio Arni

  12.颇具浓厚传奇色彩的设计师:加布里埃·夏奈尔Gabrelle Chanel

  15.在现实和幻想间徘徊的设计师:克利斯汀·拉夸 ChristianLacroix

  16.最先重视女性造型线条的设计师:克里斯汀·迪奥Christian Dior

  18.成功演绎童话色彩的设计师:本哈德·威荷姆BernhardWillhelm

  20.设计充满戏剧性及狂野魅力的新秀:亚历山大·麦克奎恩AlexanderMacQueen

  21.吹毛求疵尽善尽美的设计师:瓦伦蒂诺·加拉瓦尼ValentinoGaravani

  22.时装界最不安分的老太太:维维安·威斯特伍德 VivienneWestwood

  24.针织女王、摩登女性的典范:索尼亚·里基尔Sonia Rykiel

  25.异军突起的设计师典范:瑞奇·泰勒 Richard Tyler

  28.获时装界最高荣誉的最年轻的设计师:马克·雅各布斯Marc Jacobs

  30.世界时装界的凯撒大帝:卡尔·拉格菲尔德Karl Lagerfeld

  31.时装界的坏孩子:让·保罗·戈尔蒂埃 Jean Paul Gaultier

  33.在平凡中具有伟大创意的设计师:约翰·加利亚诺 John Galliano

  34.设计鬼才,英国的时尚教父,时尚“坏小子”:亚历山大·麦昆Lee Alexander McQueen

  传统的汉族服饰:从黄帝即位(约公元前2698年)到晚明(公元1368 - 14)。它被称为汉族服,因为时尚是在汉代改进和推广。形式通常是长礼服,衣领,包装翻领在左、右松宽的袖子,没有按钮但是有腰带。虽然设计简单,但它给不同的人不同的感受。

  传统的满族服饰:它是满族的传统服饰种族国籍,通常长礼服的形式,有时一件夹克或背心外面。因为满族是清朝的他们的礼服被大力推广,这样的衣服很受欢迎。特点是圆形或直领,与按钮从右边衣领和腰带系在腰部,两个或四个缝,紧袖袖口形状像马的蹄。

  旗袍:源于满族女性的衣服,展示女性身体的美丽。连续特性是衣领,应变的腰,盘绕按钮和狭缝两边的衣服。材料通常是丝绸、棉花和亚麻布。在当今世界旗袍是中国最受欢迎的服装。

  中山装:也称为孙中山西装,它是由孙中山先生结合西式套装和中国服装设计出来。它有一个翻领和四个口袋皮瓣。从中华人成立1949年,直到1980年它一直是主要的服装。在出席重要场合的时候仍然穿这种服饰的衣服,比如军事。

  1. 查尔斯.夫菜戴里克.沃斯(CHARLES FREDERICK WORTH,1825--5) 巴黎高级时装业的创始人,1825年出生于英国。1858年,他留在.德.拉.派大街创建了自己的时装店。他把新设计的衣服让工作室的漂亮姑娘穿起来向顾客展示推销,开创了服装表演(作平发展形式)和时装模特儿(新的职业)的先河;他还创立了自己选购衣料,自己设计,在自己的工作室里制作,专属自己的时装模特儿每年向特定的顾客举办作品发表会等一系列独特的经营方式,从而形成了巴黎高级时装业的原型。他还是第一个向美国和英国的成衣厂商出售设计的设计师,他的成就引来许多设计师的效仿。巴黎逐渐形成高级时装行业,确立世界时装发源地和世界流行中心的国际地位。

  2. 简奴.朗万(JEANNE LANVIN 1867--1946) 巴黎高级时装设计师,生于法国.其浪漫而优雅的服装设计风格吸引了不少顾客,特别是以绘画为题材的绘画女装和从中世纪教学的彩色玻璃画获得灵感的朗万蓝十分有名.20年代,他推出高格调的管状女装.30年代的代表作有也用的睡衣式女装,披肩式女装,兹瓦布式的群裤.1926年开设男装部门,打开了高级时装店经营男装的先河.

  3. 嘎布里埃尔.夏奈尔(GABRIELLE CHANEL 1883--1971) 巴黎高级时装设计师,出生于法国,他是20世纪最具影响力的设计师.1910年,她在巴黎的坎朋街开设了一个小小的帽子店,并别出心裁地以当时用来做帽子的针织物来做衣服.第一次世界大战后,她地抓住的变化,设计管子状女装,领导了20年代的流行.著名的夏奈尔样式就创始于20年代.二次世界大战前,夏奈尔的事业达到顶峰.

  4. 克里斯羌.迪奥尔(CHRISTIAN DIOR,1905-1957) 巴黎高级时装设计师,生于法国.1938年,二次大战中参战,退伍后又进鲁希安鲁伦店工作.1946年末,创建迪奥尔高级时装店.1947年2月,在首次作品发表会上推出花冠形:带圆味的流畅的肩线.束细的腰身,这种极富传统女性味的优雅作品使迪奥尔一举成名.巴黎的高级时装业再次辉煌,迪奥尔领导了后来10年间的流行,几乎每个季节都推出新的造型.在短短十年间,迪奥尔用他超人的天才和精美的杰作赢得了世界女性的芳心,被誉为流行之神,时装之王,时装界的者.

  5. 皮尔.卡丹(PIERRE CARDIN,1922--) 巴黎高级时装设计师,生于意大利的威尼斯.1946年进迪奥尔店,参与了新样式的设计和制作.1949年末到60年代初,他已成为高级时装界前卫派设计师的领导者之一.他推出的服风格,表现苏美两霸的太空竞争和人类太空时代的到来.他曾于1977年春夏季,1979年春夏季和1982年秋冬季三次荣获金顶针.而且在经营方面也表现出非凡的才华.他也是冷战时期最早迈进主义国家大门的设计师.1979年他第一个跨进刚刚对外的中国的大门.目前,有120多个过和地区19万人为卡丹牌生产着近230种产品.半个世纪以来,他创造了一个庞大的卡丹帝国.1992年12月2日,他被接纳为法兰院艺术院士.

  6. 伊夫.圣.洛朗(YVES SAINT LAURENT,1936) 巴黎高级时装设计师,出生于啊尔及利亚.1954年,圣.洛朗参加国际羊毛局举办的设计大赛,以一套黑色鸡尾酒会服荣获女装一等,以此为契机进入迪奥尔店的主任设计师.60年代的后半期,圣.洛朗使自己的高级时装和高级成衣遍及全世界,1971年春他推出沙漏形的40年代风格,掀起一阵回归潮,1974年秋他发表哥萨克风格,引起民族风格服装的流行。发展至今,他仍是巴黎时装界举足轻重的一位设计师.

  7. 森英惠(HANAE MORI 1926--) 巴黎高级时装设计师,生于日本岛.1951年在东京新宿创建工作室,50年代曾先后为600余部电影设计过服装,1963年在日本创建高级成衣,1977年在巴黎的蒙泰纽大街创建高级时装店,同年加入巴黎高级时装店协会,也是巴黎高级时装店协会这个象牙塔中第一位东方女性.她推出得意之作蝴蝶图案的优雅女装,给巴黎带来了东方式的奇异时尚.1984年荣获法国颁发的艺术文化骑士级勋章.

  8.三宅一生(LSSEY MIYAKE 1938--) 日本高级成衣设计师,生于日本广岛.1970年创建三宅设计事物所.在设计上他致力于把东方的文化,东方的服饰观念与的经验结合起来,他着意研究自己的民族文化遗产--和服.三宅的设计是从材料开始的,他常常自己动手去纺织,织布,鸡毛,纸,橡胶,塑料等所有可用来织成衣料的东西他都要去尝试,去探寻各种可能性.

  服装所具有的实用功能与审美功能要求设计者首先要明确设计的目的,要根据穿着的对象、、场合、时间等等基本条件去进行创造性的设想,寻求人、、服装的高度谐合。这就是我们通常说的服装设计必须考虑的前提条件——T.P.O.原则。

  T.P.O.三个字母分别代表Time(时间)、Place(场合、)、Object(主体、着装者)。

  1.时间(Time)简单地说不同的气候条件对服装的设计提出不同的要求,服装的造型、面料的选择、装饰手法甚至艺术气氛的塑造都要受到时间的影响和。同时一些特别的时刻对服装设计提出了特别的要求,例如毕业典礼、结婚庆典等等。服装行业还是一个不断追求时尚和流行的行业,服装设计应具有超前的意识,把握流行的趋势,引导人们的消费倾向。

  2.场合、(Place)人在生活中要经常处于不同的和场合,均需要有相应的服装来适合这不同的。服装设计要考虑到不同场所中人们着装的需求与爱好以及一定场合中礼仪和习俗的要求。一件夜礼服与一件运动服的设计是迥然不同的。夜礼服适合于华丽的交际场所,它符合这种的礼仪要求,而运动服出现在运动场合,它的设计必然是轻巧合体而适合运动需求的。一项优秀的服装设计必然是服装与的完美结合,服装充分利用因素,在背景的衬托下更具魅力。

  3.主体、着装者(Object)人是服装设计的中心,在进行设计前我们要对人的各种因素进行、归类,才能使人们的设计具有针对性和定位性。服装设计应对不同地区、不同性别和年龄层的人体形态特征进行数据统计,并对人体工程学方面的基础知识加以了解,以便设计出科学、合体的服装。从人的个体来说,不同的文化背影、教育程度、个性与、艺术品位以及经济能力等因素都影响到个体对服装的选择,设计中也应针对个体的特征确定设计的方案。

  服装设计就业前景是容量无限,前途一片。作为中国最具有国际竞争力的产业之一,中国的服装业这几年正经历着由简单的加工仿制向创新的巨大转变。服装设计师的功劳不言而喻。

  中国有5万多家服装企业,随着市场竞争的加剧,企业意识到原创设计对产品生命力的重要性,由此对服装设计师的需求可谓求贤若渴。拥有独特设计,深谙市场,能够进行原创设计的服装设计师十分紧缺。

  在设计圈里,人们把服装制版师称为服装结构设计师。之所以被称作结构设计师,是因为服装制版师们的工作主要是将设计师的平面服装效果图,立体化、现实化。一幅幅的服装平面设计图,通过服装制版师一系列的工艺分解被结构化,从而能够使服装以适合工业生产的方式从服装生产企业生产出来。从这个意义上说,服装制版师是服装设计与生产的桥梁。

  服装制版师对服装的处理不仅要符合设计师唯美、时尚、个性化的要求,还要适合工厂可操作性、工业化,经济化的要求。这也意味着版师不仅要了解时尚,更要了解生产时尚的各种制衣设备的发展趋势和设备性能。相对于设备销售市场对机器的流行、性能的反馈,服装制版师们对缝制设备的信息反馈更具有前瞻性、引导性和创造性。

  虽然我们看到的古装剧年代剧,但是一部群众反响广泛的电视剧,却往往会影响到现代的古风流行,成为一代人的服饰记忆……

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